Pop Art

Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta.

El término de "pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.

La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general.

Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público.

CARACTERÍSTICAS

- Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

- Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

- Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

- Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

- Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y facilmente reconocibles.

- Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

- Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo).

- Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

- Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

- Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. .

- Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

INFLUENCIAS

Del dadaísmo (de los ready-made de Duchamp y de los collages de Schwitters) y de la subcultura popular y de masas, de la propaganda gráfica y de la sociedad de consumo.

 

ARTISTAS

EE.UU.:
    Robert Rauschenberg (1925), 

Jasper Johns (1930)

Roy Lichtenstein (1923-1997),

 Andy Warhol (1928-1987),

 James Rosenquit (1933) y Tom Wesselman (1931), entre otros.

En Inglaterra 
    David Hockney (1937), 

Allen Johns (1937), Richard Hamilton (1922), Jim Dine (1935), Peter Blake (1932), entre otros.



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Bidimensión

Después de intentar dar profundidad con la perspectiva o los indicadores de espacio, otra propuesta es no salir de la bidimensión que nos propone el plano en el que trabajamos, les dejo una definición:

Bidimensional

Superficie limitada a dos dimensiones. Diseño sobre una superficie plana sin sugerencias de profundidad. Espacio de representación sobre el plano de la imagen. En general, se relaciona con todo espacio de representación que elude la ilusión de profundidad como recurso de énfasis plástico, y en particular, con la pintura contemporánea, que parte del respeto al plano de soporte y evita la ilusión de la perspectiva del cuadro- ventana. Vamos a ver un movimiento artístico que hace uso de la bidimensionalidad para lograr sus objetivos, cuáles eran?? otra definición: El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

Un artista creó imágenes maravillosas y originales,  Maurits Cornelis Escher (1898-1972). más conocido por sus iniciales como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de«uno de los más reconocibles y admirados por el gran público».  Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano). Podés visitar su página oficial:  http://www.mcescher.com/ y te muestro otros ejemplos de lo que podés hacer aprovechando la bidimensionalidad del plano en el que trabajás:

Simetría radial

Hablamos de simetría radial o central cuando los registros decorativos se disponen de forma radial en torno a un punto central por el que pasan numerosos ejes de simetría (Figura 1) a modo de los  radios de una bicicleta o rueda de un carro. En la naturaleza encontrarás abundantes ejemplos en muchas flores, como la popular margarita. En tu entorno urbano no te será difícil observar formar radiales, como en las llantas de los autos.

El fenómeno natural más rico en formas radiadas lo encontramos en las estructuras hexagonales de los cristales de nieve  

En arte lo podemos encontrar en los vitreaux del Gótico

y también cuando hacemos mandalas

Querés saber más acerca de los mandalas??

OTROS VIDEOS

https://www.youtube.com/watch?v=XCtas3NFLCk

https://www.youtube.com/watch?v=3ADyG0OKJgI

https://www.youtube.com/watch?v=HZHX-1Ynyek

Zentangle 2

muchísimas imagenes para ver!!
Primero la del gran artista Gustav Klimt

Otras de google, vaya saber de quienes, pero buenísimas!!

Y hay tantos más:
https://www.google.com.ar/search?q=zentangle&rls=com.microsoft:en-US&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=3H-TUb-BA8rn0QH2kYDgCA&ved=0CC0QsAQ&biw=1360&bih=600

Zentangle; texturas visules

¿Que son los Zentangles?, ¿Como se hacen?... 

_{Garabatos con Arte}

Este Arte, porque lo es, no es nuevo, en realidad lo hemos hecho TODOS de una forma u otra, cuando escuchábamos las lecciones en clase por ejemplo,  porque el Zentangle en realidad es eso, garabatear pero con arte.

¿Qué significa Zentangle? 

Esta claro que Zen viene de zen, y Tangle significa enredar, lio, maraña, laberinto... Significado para mi Dibujar, o pintar relajadamente de forma intuitiva un embrollo de líneas, círculos, y todo tipo de figuras geométricas o curvilíneas...incluso rellenar figuras reales con todo tipo de dibujos. 

Lo que se nos ocurra vamos, con total libertad, y creando así un dibujo con arte...sin censuras. 

Cualquiera puede ser artista tangles 

Disfrutemos pues de los Zentangles, su practica relaja, y por supuesto aumenta la concentración y creatividad, de esto no hay duda, inspiran... 

 y... ¿Qué materiales usar en los Zentangles?
 Hay gente que usa plumas, bolígrafos, marcadores e incluso lápices, y por supuesto papel.

Creando Zentangles (paso a paso)

» Tutoriales...Página traducida » Tangle Patterns... » Milliande...Técnicas » en Pinterest  he creado 3 carpetas para guardar toda esta inspiración.  Cuadernos-Zentangles 1... » Cuadernos-Zentangles 2... » Cuadernos-Zentangles 3... » Rainbow Elephant...Patrones  » /Rainbow Elephant...Patrones e Ideas » Tutoriales Visuales...varios vídeos para aprender.

Letras Zentangles o para Colorear en Diarios

 Letras

  

Monocromáticos

Monocromático es un adjetivo que califica aquello que es de un único color. Es un concepto que se usa en distintas disciplinas con pequeñas variaciones en su significado. Concretamente en el arte, las obras monocromáticas son las pintadas con matices y tonos de un mismo color.

Por ejemplo, una obra monocromática azul puede ser lienzo pintado por completo con el mismo azul sin variar en absoluto su matiz o valor. Pero más frecuentemente cuando se designa a una pintura azul como monocromática se refiere a que está pintada exclusivamente en azules y su escala de valores del blanco al negro (considerados ambos acromáticos), pudiendo así incluir azules puros, con tendencia al verde, con tendencia al violeta, más claros o más oscuros. Es decir, una obra monocromática puede albergar todas las variaciones de un solo color.

Otra vez Picasso, que en su larga y prolífica vida, nos dió una etapa llamada época azul, que empleaba exclusivamente ese color para sus pinturas, y que tenía que ver con su estado anímico, y lo reforzaba mostrando figuras sufridas o marginales