Minimal
Art / Minimalismo
Surge en EE.UU. a mediados de los años sesenta y tiene su
máximo desarrollo durante los setenta.
El término "minimal" es utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhart y otros objetos de muy bajo contenido artístico como los ready-made de Duchamp.
El término acabó por referirse casi exclusivamente a los objetos tridimensionales desarrollados por determinados escultores reducionistas norteamericanos, cuyo progreso eclipso a las manifestaciones pictóricas.
La pintura "minimal" también se conoce como pintura del silencio, pues se aparta del mundo material y del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo (especialmente las obras de artistas como Ryman, Martin y Marden por su vacío sustancial de intención metafísica).
La pintura "minimalista" es una radicalización del programa reductor comenzado por algunos de los pintores de la abstracción postpictórica a principios de los sesenta. Así, las obras producidas por Olitski (superfícies enfáticas) y Kelly (paneles de color) a partir de finales de los sesenta están dentro de la tendencia minimalista.
El término "minimal" es utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhart y otros objetos de muy bajo contenido artístico como los ready-made de Duchamp.
El término acabó por referirse casi exclusivamente a los objetos tridimensionales desarrollados por determinados escultores reducionistas norteamericanos, cuyo progreso eclipso a las manifestaciones pictóricas.
La pintura "minimal" también se conoce como pintura del silencio, pues se aparta del mundo material y del "ruido" de formas y objetos de la sociedad de consumo (especialmente las obras de artistas como Ryman, Martin y Marden por su vacío sustancial de intención metafísica).
La pintura "minimalista" es una radicalización del programa reductor comenzado por algunos de los pintores de la abstracción postpictórica a principios de los sesenta. Así, las obras producidas por Olitski (superfícies enfáticas) y Kelly (paneles de color) a partir de finales de los sesenta están dentro de la tendencia minimalista.
CARACTERÍSTICAS
- Ausencia de contenido
formal o de estructuras relacionales.
- Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato.
- Carácter "opaco" (negación de cualquier efecto ilusionístico) y literal (conforme a su verdadera naturaleza, la pintura es sólo "pigmento específico" sobre una "superficie específica").
- Máxima sencillez.
- Superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura blanca sobre fondo blanco (Ryman) o de otros colores (Olitski) apenas modificadas con líneas y puntos casi imperceptibles (Martin), por marcas cerca del borde (Olitski), o por pincelazos (Ryman).
- Utilización directa de los materiales que son mínimamente manipulados.
- Empleo de distintos materiales a fin de explotar la interacción de sus características físicas.
- Creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente, y grueso-fino (Ryman).
- Aplicación de la pintura empastada con efectos de jaspeado (Olitsky) o a base de gruesas pinceladas paralelas (Ryman), a fin de acentuar el carácter literal.
- Generalmente, telas de gran formato sin marco.
- En general, predominio de formatos y colores neutros.
- Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato.
- Carácter "opaco" (negación de cualquier efecto ilusionístico) y literal (conforme a su verdadera naturaleza, la pintura es sólo "pigmento específico" sobre una "superficie específica").
- Máxima sencillez.
- Superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura blanca sobre fondo blanco (Ryman) o de otros colores (Olitski) apenas modificadas con líneas y puntos casi imperceptibles (Martin), por marcas cerca del borde (Olitski), o por pincelazos (Ryman).
- Utilización directa de los materiales que son mínimamente manipulados.
- Empleo de distintos materiales a fin de explotar la interacción de sus características físicas.
- Creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente, y grueso-fino (Ryman).
- Aplicación de la pintura empastada con efectos de jaspeado (Olitsky) o a base de gruesas pinceladas paralelas (Ryman), a fin de acentuar el carácter literal.
- Generalmente, telas de gran formato sin marco.
- En general, predominio de formatos y colores neutros.
ARTISTAS
Jules Olitski (1922),
Ellsworth Kelly (1923), Robert Ryman (1930), Agnes Martin (1912), Robert
Mangold (1937), Joe Baer, Brice Marden (1938), Thomas Deyle, Peter Laly, Hernández
Pijuan, entre otros.
OBRAS DESTACADAS
J. Olitski:
"Otra carne".
"Green pressure" (Presión verde); 1968.
E. Kelly:
"Red blue" (Azul rojo); 1964.
Robert Ryman:
-"Mayco", 1965. Óleo sobre lienzo, 198 x 198. Saatchi Collection."Untitled" (Sin título); 1965.
Brice Marden:
-"Humiliatio" , serie Anunciación, 1978. Óleo y cera sobre lienzo, 213 x 244. Museum Ludwig, Colonia, Ludwig Collection.
Agnes Martin:
-"Mañana", 1965. Acrílico sobre lienzo, 182,5 x 181,9. Tate Gallery, Londres.
"Otra carne".
"Green pressure" (Presión verde); 1968.
E. Kelly:
"Red blue" (Azul rojo); 1964.
Robert Ryman:
-"Mayco", 1965. Óleo sobre lienzo, 198 x 198. Saatchi Collection."Untitled" (Sin título); 1965.
Brice Marden:
-"Humiliatio" , serie Anunciación, 1978. Óleo y cera sobre lienzo, 213 x 244. Museum Ludwig, Colonia, Ludwig Collection.
Agnes Martin:
-"Mañana", 1965. Acrílico sobre lienzo, 182,5 x 181,9. Tate Gallery, Londres.
Arte conceptual
El arte conceptual surge en EE.UU. hacia 1966 de la crisis
que supuso el callejón sin salida de la estética minimalista (minimalismo) y
concretista (neoconcretismo).
En el arte conceptual lo que importa es la reflexión sobre la obra (el concepto) y el proceso creativo más que el objeto artístico y sus aspectos materiales.
El término de conceptual se debe al artista S. LeWitt, quien lo utilizó en su artículo "Paragraphs on Conceptual Art", publicado en Artforum en el verano de 1967.
Para presentar la idea de su obra los artistas conceptuales se sirvieron de métodos diversos: fotografías, vídeos, grabaciones, documentos escritos, realización de actos en público... siendo escasas las manifestaciones pictóricas.
En el arte conceptual lo que importa es la reflexión sobre la obra (el concepto) y el proceso creativo más que el objeto artístico y sus aspectos materiales.
El término de conceptual se debe al artista S. LeWitt, quien lo utilizó en su artículo "Paragraphs on Conceptual Art", publicado en Artforum en el verano de 1967.
Para presentar la idea de su obra los artistas conceptuales se sirvieron de métodos diversos: fotografías, vídeos, grabaciones, documentos escritos, realización de actos en público... siendo escasas las manifestaciones pictóricas.
CARACTERÍSTICAS
- Visión de la pintura
como objeto de pensamiento.
- Propósito puesto no en representar la realidad, sino en prescribir un conjunto de significados, conceptos o intenciones que sean reconocidos por el intelecto.
- Búsqueda de la simplicidad.
- Combinación de lenguajes: especialmente el lenguaje escrito mezclado con el lenguaje de la representación pictórica.
- Iconografía consistente en preguntas, ecuaciones, declaraciones o instrucciones absurdas.
- Explotación máxima del potencial pictórico como canal de información.
- Mezcla de materiales y tecnicas (collage, plantillas y estarcidos).
- Propósito puesto no en representar la realidad, sino en prescribir un conjunto de significados, conceptos o intenciones que sean reconocidos por el intelecto.
- Búsqueda de la simplicidad.
- Combinación de lenguajes: especialmente el lenguaje escrito mezclado con el lenguaje de la representación pictórica.
- Iconografía consistente en preguntas, ecuaciones, declaraciones o instrucciones absurdas.
- Explotación máxima del potencial pictórico como canal de información.
- Mezcla de materiales y tecnicas (collage, plantillas y estarcidos).
INFLUENCIAS
- De Marcel Duchamp
(1887-1968), cuyos ready-mades
abrieron una nueva forma conceptual de arte.
- De Ad Reinhardt (1913-1967) y su consideración de la obra de arte como un hecho tautológico, en el que la validez del arte depende sólo de él mismo.
- De la filosofía analítica, según la cual el concepto es todo aquello sobre lo que puede formularse proposiciones (niveles del pensamiento que, al margen de cualquier dato captado perceptivamente, reduce todo conocimiento al lenguaje).
- De Ad Reinhardt (1913-1967) y su consideración de la obra de arte como un hecho tautológico, en el que la validez del arte depende sólo de él mismo.
- De la filosofía analítica, según la cual el concepto es todo aquello sobre lo que puede formularse proposiciones (niveles del pensamiento que, al margen de cualquier dato captado perceptivamente, reduce todo conocimiento al lenguaje).
ARTISTAS
Sol LeWitt (EE.UU,
1928), Shusaku Arakawa (Japón, 1936; residente en Nueva York), On Kawara
(Japón, 1933; residente en Nueva York), entre otros.
OBRAS DESTACADAS
Arakawa:
"Reassembling 10" (Nuevos montajes 10), 1968-69.
Óleo, lápiz y rotulador sobre lienzo.
Colección del artista.
LeWitt:
"Four basic".
Kawara:
"Date Paintings" (Pinturas con fecha), 1969.
Liquitex sobre lienzo.
"Reassembling 10" (Nuevos montajes 10), 1968-69.
Óleo, lápiz y rotulador sobre lienzo.
Colección del artista.
LeWitt:
"Four basic".
Kawara:
"Date Paintings" (Pinturas con fecha), 1969.
Liquitex sobre lienzo.
Hiperrealismo
Pintura Hiperrealista
Surge en EE.UU. hacia 1965 como reacción contra la ausencia
de contenido de la abstracción del "action painting"
y del arte conceptual.
La primera exposición que dio a conocer esta tendencia fue "The Photographic Images", celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1966.
Adquiere un gran desarrollo durante la década de los setenta a raíz de su difusión en la Documenta 5 de Kassel, en 1972.
La primera exposición que dio a conocer esta tendencia fue "The Photographic Images", celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1966.
Adquiere un gran desarrollo durante la década de los setenta a raíz de su difusión en la Documenta 5 de Kassel, en 1972.
CARACTERÍSTICAS
- Aproximación nueva y
radical al mundo real.
- Carácter distanciado y frío.
- Afirmación de la realidad mediante su plasmación tal como la vería una cámara fotográfica, de aquí que a esta tendencia también se la denomine fotorrealismo.
- Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información y como elemento (modelo) a partir del cual se construye el cuadro (el pintor hiperrealista no se enfrenta directamente con la realidad).
- Utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares.
- Empleo de medios mecánicos (proyección o retícula) para transferir las imágenes fotográficas al lienzo.
- Aplicación de la pintura en capas finas y lisas, generalmente con pistola o aerógrafo.
- Color realista.
- Utilización de nuevos materiales: pintura acrílica, latex y resinas sintéticas.
- Iconografía preferentemente relacionada con la sociedad de consumo: automóviles, escaparates, cromados, rótulos de comercios, desguaces, gasolineras, etc.
- Generalmente, plasmación ampliada (tamaño mayor que el natural) de detalles de objetos, personas y ambientes con gran detallismo (los cuadros de Chuck Close parecen fotografías ampliadas).
- Carácter distanciado y frío.
- Afirmación de la realidad mediante su plasmación tal como la vería una cámara fotográfica, de aquí que a esta tendencia también se la denomine fotorrealismo.
- Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información y como elemento (modelo) a partir del cual se construye el cuadro (el pintor hiperrealista no se enfrenta directamente con la realidad).
- Utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares.
- Empleo de medios mecánicos (proyección o retícula) para transferir las imágenes fotográficas al lienzo.
- Aplicación de la pintura en capas finas y lisas, generalmente con pistola o aerógrafo.
- Color realista.
- Utilización de nuevos materiales: pintura acrílica, latex y resinas sintéticas.
- Iconografía preferentemente relacionada con la sociedad de consumo: automóviles, escaparates, cromados, rótulos de comercios, desguaces, gasolineras, etc.
- Generalmente, plasmación ampliada (tamaño mayor que el natural) de detalles de objetos, personas y ambientes con gran detallismo (los cuadros de Chuck Close parecen fotografías ampliadas).
INFLUENCIAS
La iconografía del pop-art.
ARTISTAS
Chuck Close (1940), Don Eddy (1944), John Salt, Richar Estes (1936),
Robert Cottingham (1935), Malcolm Morley (1931), Ralph Goings (1928), entre
otros.
OBRAS DESTACADAS
R. Estes:
"Escena de París", 1973.
D. Eddy:
"California IKP 818".
Acrílico sobre tela, 122 x 167 cm.
R. Cottingham:
"Roxy".
"Escena de París", 1973.
D. Eddy:
"California IKP 818".
Acrílico sobre tela, 122 x 167 cm.
R. Cottingham:
"Roxy".
Postmodernidad
El periodo que va desde mediados de los años setenta hasta
finales del siglo XX está caracterizado por el eclecticismo, pues durante el
mismo se reúnen viejos y nuevos estilos de manera completamente arbitraria. El
arte de la postmodernidad recicla fragmentos de distintas épocas para
configurar una nueva representación, rechazando la ideología de la uniformidad
y el dogmatismo que caracterizó al arte de vanguardia de años anteriores. El
quehacer artístico se enfoca ahora sobre lo diferente, la discontinuidad, la
ambigüedad y la paradoja. El artista postmoderno desarrolla un nuevo lenguaje,
de intensa subjetividad, combinando formas históricas y modernas con
referencias internacionales y regionales sin ninguna limitación; el artista se
expresa ahora como desea, con entera libertad. Por otra parte, esa revisión
historicista restituye el aura de lo artístico después del "anything
goes" ("todo vale") característico de la experimentación
artística de los años sesenta y setenta, durante los cuales se llegó a
considerar que cualquier cosa era susceptible de entenderse como arte. Quizás
por esa vuelta a lo "artístico", movimientos como el neoexpresionismo y
la transvanguardia
fueron bien aceptados por los galeristas y los coleccionistas de arte, y muchos
jóvenes artistas alcanzaron rápidamente fama y dinero.
A continuación
reseñamos algunas de las corrientes artísticas desarrolladas durante el periodo
indicado:
- Anacronismo / Nuevo
clasicismo o neomanierismo
- Figuración graffiti
- Figuración libre
- Neoexpresionismo /
"Los nuevos salvajes"
- Neo-geo
- Neo-pop
- Nueva imagen
- Pattern & decoration
- Transvanguardia
Graffiti
Art
Figuración Graffiti
Figuración Graffiti
Surge en EE.UU. hacia 1976.
Este movimiento tiene su raíz en la cultura callejera de Nueva York, en su arte marginal que tiene expresión en las pintadas de los trenes del metro neoyorkino y en las paredes de los edificios de Manhattan.
Gordon Matta-Clark fue quien primero se dio cuenta del potencial artístico de estas manifestaciones plásticas callejeras y realizó fotografías de las mismas que mostró en varias exposiciones.
Pronto los círculos artísticos de Nueva York se fijan en estos artistas callejeros y promueven sus obras pictóricas en las galerías de arte.
De entre los artistas callejeros que se integraron a la actividad artística establecida destaca Basquiat. Este artista firmaba sus graffitis en el metro de Nueva York con el nombre de "Samo". Basquiat realizó en 1982 su primera exposición en la galería "Fun" de la Lower Eastside de Manhattan.
No todos los artistas de este movimiento son auténticos artistas de graffitis como Basquiat, sino que han aprendido su profesión en una escula de arte. Este es el caso de artistas como Scharf y Haring, entre otros.
El movimiento del graffiti tuvo su máximo explendor a comienzos de los años ochenta, momento en el que se hacen las obras más agresivas. Pero en cuanto los artistas provenientes de las calles convierten su actividad en algo rutinario y otros con preparación artística se incorporan a la "moda" del graffiti, las obras resultan triviales, carentes de toda importancia.
Esta corriente, junto con el movimiento del "pattern & decoration" y la denominada bad painting, introduce planteamientos nuevos en la pintura figurativa expresiva norteamericana ("nueva imagen") y europea (neoexpresionismo y transvanguardia ).
En Europa, una tendencia que puede considerarse equivalente a la del graffiti es la llamada "figuración libre"
Este movimiento tiene su raíz en la cultura callejera de Nueva York, en su arte marginal que tiene expresión en las pintadas de los trenes del metro neoyorkino y en las paredes de los edificios de Manhattan.
Gordon Matta-Clark fue quien primero se dio cuenta del potencial artístico de estas manifestaciones plásticas callejeras y realizó fotografías de las mismas que mostró en varias exposiciones.
Pronto los círculos artísticos de Nueva York se fijan en estos artistas callejeros y promueven sus obras pictóricas en las galerías de arte.
De entre los artistas callejeros que se integraron a la actividad artística establecida destaca Basquiat. Este artista firmaba sus graffitis en el metro de Nueva York con el nombre de "Samo". Basquiat realizó en 1982 su primera exposición en la galería "Fun" de la Lower Eastside de Manhattan.
No todos los artistas de este movimiento son auténticos artistas de graffitis como Basquiat, sino que han aprendido su profesión en una escula de arte. Este es el caso de artistas como Scharf y Haring, entre otros.
El movimiento del graffiti tuvo su máximo explendor a comienzos de los años ochenta, momento en el que se hacen las obras más agresivas. Pero en cuanto los artistas provenientes de las calles convierten su actividad en algo rutinario y otros con preparación artística se incorporan a la "moda" del graffiti, las obras resultan triviales, carentes de toda importancia.
Esta corriente, junto con el movimiento del "pattern & decoration" y la denominada bad painting, introduce planteamientos nuevos en la pintura figurativa expresiva norteamericana ("nueva imagen") y europea (neoexpresionismo y transvanguardia ).
En Europa, una tendencia que puede considerarse equivalente a la del graffiti es la llamada "figuración libre"
CARACTERÍSTICAS
- Actitud ruda, agria,
crítica y a veces humorística sobre el arte y/o la sociedad.
- Reflexión y revisión de planteamientos plásticos anteriores.
- Temática variada, generalmente irónica, a veces banal, pero con referencias casi constantes a la pintura moderna o de épocas anteriores, para conjugar una nueva visión del mundo y de la sociedad.
- Carácter hetereogéneo: mezcla de figuras, manchas, palabras y técnicas distintas en una misma obra.
- Iconografía variada: figuras de personas, animales o antropomórficas, criptogramas, figuras geométricas (círculos, cruces, pirámides, etc.), imágenes de cómic, garabatos espontáneos, etc.
- Estructuración compositiva frecuentemente compartimentada por zonas.
- Composiciones creando ritmos en las que se encadenan símbolos, inscripciones y elementos metafóricos (Basquiat).
- Composiciones de motivos multicolores de carácter alegre del arte renacentista y surrealista combinados con objetos de los comics y los medios de comunicación (Scharf).
- Utilización de soportes poco usuales y de desecho: planchas de metal, puertas viejas de automovil, piezas de tejido, fieltro, etc. (Basquiat, Schnabel).
- Combinación de técnicas distintas: acrílico, óleo, pintura en spray, collage, etc.
- Colorido generalmente a base de tonos contrastantes.
- Reflexión y revisión de planteamientos plásticos anteriores.
- Temática variada, generalmente irónica, a veces banal, pero con referencias casi constantes a la pintura moderna o de épocas anteriores, para conjugar una nueva visión del mundo y de la sociedad.
- Carácter hetereogéneo: mezcla de figuras, manchas, palabras y técnicas distintas en una misma obra.
- Iconografía variada: figuras de personas, animales o antropomórficas, criptogramas, figuras geométricas (círculos, cruces, pirámides, etc.), imágenes de cómic, garabatos espontáneos, etc.
- Estructuración compositiva frecuentemente compartimentada por zonas.
- Composiciones creando ritmos en las que se encadenan símbolos, inscripciones y elementos metafóricos (Basquiat).
- Composiciones de motivos multicolores de carácter alegre del arte renacentista y surrealista combinados con objetos de los comics y los medios de comunicación (Scharf).
- Utilización de soportes poco usuales y de desecho: planchas de metal, puertas viejas de automovil, piezas de tejido, fieltro, etc. (Basquiat, Schnabel).
- Combinación de técnicas distintas: acrílico, óleo, pintura en spray, collage, etc.
- Colorido generalmente a base de tonos contrastantes.
INFLUENCIAS
De la pintura callejera
(graffitis), de la tradición popular, de culturas primitivas, de pintores
modernos (Matisse, Léger, Miró, Stella, etc.), del arte de épocas pasadas, del pop-art, del surrealismo (de
postsurrealista pop ha sido calificado Scharf), de la iconografía del comic,
del cine, de la televisión, de los anuncios publicitarios (Quinones) y de los
dibujos animados.
ARTISTAS
Jean-Michel Basquiat (1960-1986), Keith Haring (1958-1980), Kenny Scharf
(1958), Lee Quinones (1960).
Otros artistas: Julian Schnabel (en parte; 1951), David Salle (en parte; 1952), Daze, Wasp, Crasch, Bear, J. Brown, Zephir, Futura 2000, Toxic.
Otros artistas: Julian Schnabel (en parte; 1951), David Salle (en parte; 1952), Daze, Wasp, Crasch, Bear, J. Brown, Zephir, Futura 2000, Toxic.
OBRAS DESTACADAS
Basquiat:
"Hardware store" (Almacen de cuerpos), 1983, fragmento.
Acrílico sobre tela, 218 x 328 cm.
Galerie Bruno Birschofberger, Zürich.
K. Haring:
"Sin título", 1989, detalle.
Acrílico sobre tela.
Tony Shafrazi Art Gallery, Nueva York.
K. Scharf:
"La diversión está dentro", 1983.
Óleo y spray sobre tela, 229 x 274 cm.
Tony Shafrazi Gallery, Nueva York.
"Hardware store" (Almacen de cuerpos), 1983, fragmento.
Acrílico sobre tela, 218 x 328 cm.
Galerie Bruno Birschofberger, Zürich.
K. Haring:
"Sin título", 1989, detalle.
Acrílico sobre tela.
Tony Shafrazi Art Gallery, Nueva York.
K. Scharf:
"La diversión está dentro", 1983.
Óleo y spray sobre tela, 229 x 274 cm.
Tony Shafrazi Gallery, Nueva York.
Transvanguardia
Surge en Italia hacia 1977 como reacción contra el minimalismo y el arte conceptual.
La denominación fue acuñada por el crítico de arte Achile Bonito Oliva para referirse a la obra de una serie de pintores italianos sin afiliación concreta pero con rasgos comunes: la práctica de una pintura de caballete clásica con interés especial por los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte con una consciente mezcla de estilos.
Una tendencia similar se desarrolla al mismo tiempo en Alemania y se conoce como neoexpresionismo.
En EE.UU. el equivalente a las nuevas tendencias figurativo-expresivas europeas es la llamada "nueva imagen" así como la figuración gaffiti y el movimiento del pattern & decoration, que introducen planteamientos nuevos.
La denominación fue acuñada por el crítico de arte Achile Bonito Oliva para referirse a la obra de una serie de pintores italianos sin afiliación concreta pero con rasgos comunes: la práctica de una pintura de caballete clásica con interés especial por los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte con una consciente mezcla de estilos.
Una tendencia similar se desarrolla al mismo tiempo en Alemania y se conoce como neoexpresionismo.
En EE.UU. el equivalente a las nuevas tendencias figurativo-expresivas europeas es la llamada "nueva imagen" así como la figuración gaffiti y el movimiento del pattern & decoration, que introducen planteamientos nuevos.
CARACTERÍSTICAS
- Carácter abierto: el
artista explora o transita (de aquí la denominación) todos los ámbitos para
extraer las referencias que considera adecuadas para la realización de su obra,
filtrandolas y presentandolas a través de su propia individualidad expresiva.
- Iconografía cristiana o pagana con una gran carga de ironía, parodia y a veces morbosidad.
- Plasmación de metáforas; evocación de mitos y arquetipos; a veces plasmación de motivos personales relacionados con la propia vida del artista.
- Predilección por la figura humana en actitudes incómodas y rebuscadas.
- Gusto por el ritmo curvo y ondulante.
- Preferencia por los formatos típicos de la pintura de caballete, a veces también grandes formatos.
- Combinación de elementos figurativos, abstractos, palabras, signos y técnicas diferentes en la misma obra.
- Predominio del efecto bidimensional sobre el de profundidad.
- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
- Colorido contrastante.
- Iconografía cristiana o pagana con una gran carga de ironía, parodia y a veces morbosidad.
- Plasmación de metáforas; evocación de mitos y arquetipos; a veces plasmación de motivos personales relacionados con la propia vida del artista.
- Predilección por la figura humana en actitudes incómodas y rebuscadas.
- Gusto por el ritmo curvo y ondulante.
- Preferencia por los formatos típicos de la pintura de caballete, a veces también grandes formatos.
- Combinación de elementos figurativos, abstractos, palabras, signos y técnicas diferentes en la misma obra.
- Predominio del efecto bidimensional sobre el de profundidad.
- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
- Colorido contrastante.
INFLUENCIAS
De todos los ámbitos
expresivos sin respetar ninguna tendencia concreta.
ARTISTAS
Mimmo Paladino (1948),
Francesco Clemente (1952), Enzo Cucchi (1950), Nicola de Maria (1954), Sandro
Chia (1946).
OBRAS DESTACADAS
Mimmo Paladino:
-"Ronda nocturna"; 1982.
-"Ronda nocturna"; 1982.
Enzo Cuchi:
"Cuadro tonto";1982.
Óleo sobre tela, 280 x 360 cm.
Heiner Bastian, Berlín.
S. Chia:
"Il volto scandaloso";1981.
Técnica mixta sobre tela, 162,5 x 130 cm.
Bielefeld, Kunsthalle.
Land Art
El land art es una corriente
artística surgida a finales de los años sesenta que tiene como fin trasladar el
trabajo artístico a los espacios naturales que son transformados por el
pensamiento y la acción del artista. El land art se encuentra dentro de
esas corrientes que en relación con la desmaterialización del objeto niegan el
papel preponderante de los museos y galerías de arte y que desvían la práctica
del arte a lugares inéditos hasta su aparición. Este movimiento que utiliza el
propio espacio natural como soporte de la obra surge primero en los Estados
Unidos a finales de los años sesenta. Los artistas del land art llevan
acabo toda una serie de manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje.
Generalmente adquiere grandísimas dimensiones y su presentación en las galerías
se hace a través de una documentación de fotografías, videos o textos. El land
art interviene sobre el territorio (medición, orientación, señalización).
Dentro de este tipo de arte hay una corriente centrada en las grandes
dimensiones (Michael Heizer, Dennis Oppenheim, Walter de Maria o Christo) y
otra más intimista como son los casos de Richard Long o Hamish Fulton.
