Diferentes Tipos, Formas y Usos de Pinceles de Pintura

Anatomía del Pincel

El pincel está compuesto de tres partes: el haz de pelo, la virola y el mango.
Haz de Pelo: existen diferentes tipos y podemos encontrar de pelo natural y pelo sintético.
Virola: conecta el mango con el pelo. Pueden ser de lata, acero o de aluminio y se sujetan al mango por medio de presión y pegamento.
Mango: es de madera laqueada para protegerlo del agua y los solventes, puede ser corto (pintura de mesa) o largo (pintura de caballete), lo más importante es que nos resulte cómodo a la hora de pintar. En el mango generalmente se encuentra grabada cierta información del pincel como puede ser el tipo de pelo, tipo de pincel, el número de pincel y el diámetro, esta información varia según el criterio de las distintas marcas.
Existen pinceles de diferentes tipos, formas y tamaños. Cada uno tiene características propias que lo hacen más apropiado para cierto tipo de trabajo. A continuación detallamos algunas de estas características:

Pinceles de Pelo Natural

Estos pinceles son recomendables para la pintura tradicional, especialmente en técnicas finas como la acuarela y el oleo. Existen diferentes tipos de pelos:

Pelo de Marta Siberiana o Kolinsky: es el pelo de mayor calidad, proviene de la cola de un mamífero pequeño que se encuentra en Siberia y China. Tiene un gran poder de absorción, excelente elasticidad y resistencia. La desventaja es que son pinceles demasiado costosos.
Pelo de Marta Roja

 Pelo de Cabra

Pelo de Pony o Caballo

Pelo de Oreja de Buey

Pelo de Cerda

Pinceles de Pelo Sintético

Estas fibras sintéticas fueron creadas para imitar las características del pelo natural pero a un costo más bajo. En general están compuestas por filamentos de nylon o poliéster. En el mercado se pueden encontrar pinceles sintéticos de diferentes calidades y precios, los de uso escolar de baja calidad tiende a abrirse y perder su forma, los de calidad profesional, imitan las características del pelo de marta, el haz de estos pinceles son de color blanco o teñidos de naranja para asemejar el pelo natural.

Pelo Toray: es un pelo sintético de buena calidad y buena consistencia por lo que es recomendado para trabajos en oleo y acrílico. Es resistente por lo que mantiene su forma al puntear y a la vez flexible para mantener la precisión en los trazos.
Pelo Taklon: pelo sintético de baja calidad, más económico. Puntea bien pero no es tan flexible.

Tipos y Formas de Pinceles

Existen muchos tipos de pinceles y de nuestra correcta elección dependerá el éxito del trabajo a realizar, cada uno de estos modelos vienen en distintos tamaños que varían el grueso del haz de pelo, también los hay de mango corto o largo.

Pincel Liner o Delineador: ideal para delinear, realizar detalles, trazar líneas curvas y finas rectas con precisión.

      Pincel Redondo: muy versátil, puede realizar detalles, bordes o pintar grandes aéreas dependiendo del tamaño elegido.

Pincel Chato o Plano: ideales para cubrir grandes áreas de pintura con precisión, su borde filoso permite crear contornos parejos y finas líneas. Para crear trazos anchos o formas cuadradas.

Pincel Angular o Pezuña: ideales para sombrear, crear pétalos de flores, formas irregulares y para pintar pequeñas superficies con precisión.

Pincel Lengua de Gato: ideal para esfumar bordes y colores suavemente, crear formas como hojas o plumas.

Pincel Rake: pueden ser chatos o redondos, al tener pelos mas largos y cortos entremezclados son ideales para crear texturas de pelaje, pasto, plumas, etc.

Pincel Abanico: ideal para pintar pasto o pelaje y texturas livianas.

Pincel de Cerda: su pelo grueso y rustico permite aplicar texturas, trazos gruesos y cargados, muy bueno para trabajar con stencill

Pincel Mop: especial para esfumar y crear suaves transiciones de color sin rastros de textura.

Pinceleta: por su tamaño es ideal para cubrir grandes superficies de pintura, aplicar bases y barnices.

Limpieza y Mantenimiento de los Pinceles

Es fundamental mantener húmedo el pincel, con el medio correspondiente a la técnica utilizada, para evitar que la pintura seque y arruine completamente el haz de pelo. Mientras se trabaja evitar dejarlos con la punta hacia abajo para no deformar la punta. Lavarlos inmediatamente después de haber terminado el trabajo.
Para lavar pinceles utilizados con acuarelas, utilizar jabón neutro hasta remover todo rastro de color del pelo y la virola, lavar con agua fría, nunca caliente. 
Para lavar pinceles utilizados con oleo o acrílico, remover la mayor cantidad de pigmento con un pedazo de tela. Lavar con jabón neutro y agua tibia hasta eliminar todo rastro de pintura.
IMPORTANTE: Luego del lavado vuelva a formar con los dedos la punta para mantener la forma del pincel. Dejar secar suspendido, no utilizar secador de pelo ya que dañara las fibras.

Recomendaciones

* No es recomendable usar alternativamente un pincel para acuarela y luego para acrílico u oleo ya que el pelo se deteriorara rápidamente.
* Para los acrílicos se recomienda usar pinceles de pelo sintético ya que los químicos de esta pintura deterioran el pelo natural.
* No deje los pinceles sumergidos en agua por mucho tiempo ya que con el tiempo el mango se deteriorara por la humedad y se deformara la punta.
* Antes de guardar los pinceles compruebe que el pelo este seco para evitar hongos y humedad.

Técnicas y Pinceles

Acuarela: pinceles de pelo natural de marta siberiana o marta roja.
Oleo: pinceles de cerda, pinceles de pelo natural de oreja de buey, para trabajos gruesos, pinceles de pelo sintético toray y pinceles de pelo natural de turon o marta para detalles.
Acrílico: pinceles de pelo sintético toray y de pelo de turon o marta para detalles.

cubismo

El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Picasso en el periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas. Surge así un amplio movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado en París, será de ámbito internacional.

El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multilpicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de representación no es, evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no bajo aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos intelectuales (de carácter intuitivo).

La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó de "cubistas" a los artistas de esta tendencia en el Gil Blas de 25 de Mayo de 1909.

La presentación pública del cubismo, como movimiento pictórico, tuvo lugar en 1910 en el Salón de Otoño donde muchos artistas mostraron trabajos con este planteamiento estético.

Al año siguiente varios de esos artistas, que a diferencia de Picasso y Braque no tenían acceso regular a una galería privada, decidieron exponer juntos en el XXVII Salón de los Independientes celebrado en Abril de 1911, donde se les asignó una sala (la 41) dedicada enteramente a ellos. Estos artistas, practicantes de un cubismo herético o más torpe que el de los grandes maestros (Picasso, Braque, Gris), serán llamados "cubistas de salón". Entre éstos se encuentran Gleizes y Metzinger miembros de la Section d'Or y autores de "Du Cubisme", el primer manifiesto sobre el movimiento publicado en 1912.

En 1913, el crítico y poeta Guillaume Apollinaire publica su famoso escrito "Méditations esthétiques. Les peintres cubistes" que fue decisivo en la difusión de las teorías cubistas.

El cubismo fue el punto de partida o un componente esencial de algunos otros movimientos como el constructivismo, el futurismo, el orfismo, el purismo, y el vorticismo; así mismo el cubismo fue un acicate para muchos escultores, que adaptaron las ideas cubistas de distintas maneras, especialmente abriendo las formas con vacíos o configurandolas con distintos volúmenes sólidos; entre los escultores destaca Archipenko (cuyo éxito internacional también jugó un gran papel en la difusión de las ideas cubistas). La influencia del cubismo fue mucho menor en las artes menores y la arquitectura. En el diseño, el cubismo fue una de las fuentes del art deco; en arquitectura, las ideas cubistas sólo fueron adaptadas por algunos arquitectos checos que descompusieron las fachadas de sus edificios con formas prismáticas abstractas que claramente recuerdan la fragmentación del cubismo analítico.

 

CARACTERÍSTICAS
 

Características generales:

- Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superfície pictórica y lo representado en ella.

- Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza.

- Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas.

- Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas.

- Representación simultánea de los objetos (los objetos no son representados desde un sólo punto de vista, sino desde varios puntos de vista, e incluso en diversos momentos del tiempo).

- Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con penetraciones de unas partes en otras.

- Ausencia de profundidad espacial.

- Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo.

- Creación de transparencias.

- Austeridad cromática.

- Sombreado arbitrario.

- Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato.

Fases:

En este movimiento es posible distinguir dos fases: el cubismo analítico, de los inicios a 1911 (representado por Picasso y Braque) y el cubismo sintético, de 1912 a 1914 (representado, sobre todo, por Léger y Gris).

Cubismo analítico (hasta 1911)

- Progresiva esquematización de las formas y del espacio: en las primeras obras cubistas de Picasso y Braque, el reducionismo atiende a la composición geométrica latente en los objetos (los objetos eran reducidos a sus formas básicas, descompuestos y reconstruidos según su verdadera estructura), en obras posteriores la esquematización es mayor quedando las formas reducidas a sólo unos pocos trazos básicos convertidos casi en signos (en algunas obras el tema del cuadro resulta difícil de descifrar sin la ayuda del título).

- Línea separando los planos y los objetos.

- Colores quebrados y terrosos, poco brillantes (marrones, beiges, grises, negros, etc).

- Incorporación de elementos gráficos (letras o números).

- Preferencia por las naturalezas muertas (frutas, fruteros, pipas, botellas, vasos, partituras musicales, guitarras).

Cubismo sintético (1912-1914)

- Abandono de la descomposición prismática.

- Mayor definición de las formas.

- La configuración del objeto o figura no surge de la división analítica perceptiva de sus partes componentes, sino que se proyecta de acuerdo con la idea imaginativa del artista.

- Los objetos se insertan en la obra a partir de una estructura pictórica abstracta tectónica, combinando partes para llegar a un conjunto (síntesis).

- Mayor acercamiento a la realidad mediante la inclusión directa en el cuadro (Collage) de materiales y objetos cotidianos (trozos de periódico, papel de pared, etiquetas, maderas, rejillas, etc.) que hacen concreto lo representado.

- Formas y figuras distorsionadas, dislocadas, recortadas o seccionadas.

- Colores más vivos.

 

INFLUENCIAS
 

- El planteamiento de simplificación y geometrización de las formas iniciado por Cézanne en el posimpresionismo

- Del arte primitivo y de la escultura africana en particular, la distorsión expresiva de las formas libre de inhibición.

 

ARTISTAS
 

Pablo Picasso (1881-1973), George Braque (1882-1963), Juan Gris (1887-1927).

Otros artistas: Albert Gleizes (1881-1953), Henri Le Fauconnier (1881-1946), Jean Metzinger (1883-1956), Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Roger de La Fresnaye (1885-1925) y Jacques Villon (1875-1963).

 

OBRAS DESTACADAS
 

Picasso:
"Les Demoiselles d`Avignon", 1907.
Óleo sobre lienzo, 244 x 234 cm.
Colección del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York. Adquirido por donación de Lillie P. Bliss.

Picasso:
"Nature morte au violon et au verre de Bass" (Bodegón con violín y vaso de Bass), 1913-14.
Museo de arte Contemporáneo, Centro Georges Pompidou, París.

Picasso:
"Mujer sentada" (Desnudo sentado), 1909.
Óleo sobre lienzo, 92,5 x 61,5 cm.
The Tate Gallery, Londres.

Picasso:
"Le Toréro", 1912. Óleo sobre lienzo, 215 x 128 cm. Oeffentliche Kunstsammlung, Basilea.

Picasso:
"Verre, Bouteille de Vin, Journal sur une Table", 1914. Papel encolado y lápiz sobre papel, 77,5 x 102 cm. Colección particular, París.

G. Braque:
"Le Guéridon", 1911.
Óleo sobre lienzo, 116 x 81 cm.
Musée National d`Art Moderne, París.

G. Braque:
"l'Estaque" (Paisaje del Estaque), 1910.
Museo de arte Contemporáneo, Centro Georges Pompidou, París.

G. Braque:
"Piano y laúd", 1910. Óleo sobre lienzo, 91,5 x 42 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.

G. Braque:
"La Table du Musicien", 1913. Óleo y carboncillo sobre lienzo, 65 x 92 cm. Oeffentliche Kunstsammlung, Basilea, donación de Raoul La Roche.

G. Braque:
"Formas musicales" (Guitarra y clarinete), 1918. Papel encolado, cartón ondulado, carboncillo y gouache sobre cartón, 77 x 95 cm. Museo de Arte de Filadelfia, Colección Louise and Walter Arensberg.

J. Gris:
"L`Homme au Café", 1912.
Óleo sobre lienzo, 128 x 88 cm.
Museo de Arte de Filadelfia, Colección Louise and Walter Arensberg.

J. Gris:
"Copas y periódico", 1914. Papel encolado, gouache, óleo y lápiz sobre lienzo, 61 x 38 cm.

El cubismo: presentación del movimiento

Pablo Picasso

Picasso en acción

Pop Art

Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta.

El término de "pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.

La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general.

Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público.

CARACTERÍSTICAS

- Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

- Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

- Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

- Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

- Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y facilmente reconocibles.

- Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

- Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo).

- Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

- Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

- Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. .

- Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

INFLUENCIAS

Del dadaísmo (de los ready-made de Duchamp y de los collages de Schwitters) y de la subcultura popular y de masas, de la propaganda gráfica y de la sociedad de consumo.

 

ARTISTAS

EE.UU.:
    Robert Rauschenberg (1925), 

Jasper Johns (1930)

Roy Lichtenstein (1923-1997),

 Andy Warhol (1928-1987),

 James Rosenquit (1933) y Tom Wesselman (1931), entre otros.

En Inglaterra 
    David Hockney (1937), 

Allen Johns (1937), Richard Hamilton (1922), Jim Dine (1935), Peter Blake (1932), entre otros.



Seguí mirando.....

Bidimensión

Después de intentar dar profundidad con la perspectiva o los indicadores de espacio, otra propuesta es no salir de la bidimensión que nos propone el plano en el que trabajamos, les dejo una definición:

Bidimensional

Superficie limitada a dos dimensiones. Diseño sobre una superficie plana sin sugerencias de profundidad. Espacio de representación sobre el plano de la imagen. En general, se relaciona con todo espacio de representación que elude la ilusión de profundidad como recurso de énfasis plástico, y en particular, con la pintura contemporánea, que parte del respeto al plano de soporte y evita la ilusión de la perspectiva del cuadro- ventana. Vamos a ver un movimiento artístico que hace uso de la bidimensionalidad para lograr sus objetivos, cuáles eran?? otra definición: El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

Un artista creó imágenes maravillosas y originales,  Maurits Cornelis Escher (1898-1972). más conocido por sus iniciales como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de«uno de los más reconocibles y admirados por el gran público».  Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano). Podés visitar su página oficial:  http://www.mcescher.com/ y te muestro otros ejemplos de lo que podés hacer aprovechando la bidimensionalidad del plano en el que trabajás: