Pop Art

Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta.

El término de "pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.

La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general.

Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público.

CARACTERÍSTICAS

- Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

- Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

- Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

- Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

- Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y facilmente reconocibles.

- Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

- Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo).

- Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

- Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

- Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. .

- Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

INFLUENCIAS

Del dadaísmo (de los ready-made de Duchamp y de los collages de Schwitters) y de la subcultura popular y de masas, de la propaganda gráfica y de la sociedad de consumo.

 

ARTISTAS

EE.UU.:
    Robert Rauschenberg (1925), 

Jasper Johns (1930)

Roy Lichtenstein (1923-1997),

 Andy Warhol (1928-1987),

 James Rosenquit (1933) y Tom Wesselman (1931), entre otros.

En Inglaterra 
    David Hockney (1937), 

Allen Johns (1937), Richard Hamilton (1922), Jim Dine (1935), Peter Blake (1932), entre otros.



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Bidimensión

Después de intentar dar profundidad con la perspectiva o los indicadores de espacio, otra propuesta es no salir de la bidimensión que nos propone el plano en el que trabajamos, les dejo una definición:

Bidimensional

Superficie limitada a dos dimensiones. Diseño sobre una superficie plana sin sugerencias de profundidad. Espacio de representación sobre el plano de la imagen. En general, se relaciona con todo espacio de representación que elude la ilusión de profundidad como recurso de énfasis plástico, y en particular, con la pintura contemporánea, que parte del respeto al plano de soporte y evita la ilusión de la perspectiva del cuadro- ventana. Vamos a ver un movimiento artístico que hace uso de la bidimensionalidad para lograr sus objetivos, cuáles eran?? otra definición: El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

Un artista creó imágenes maravillosas y originales,  Maurits Cornelis Escher (1898-1972). más conocido por sus iniciales como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de«uno de los más reconocibles y admirados por el gran público».  Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano). Podés visitar su página oficial:  http://www.mcescher.com/ y te muestro otros ejemplos de lo que podés hacer aprovechando la bidimensionalidad del plano en el que trabajás: