Hoy hablaremos sobre la escala de valores. Primero A qué se le llama valor?. Cuando hablamos de valor hacemos referencia a una propiedad del color que nos dice que tan oscuro o claro es.
Cuando nos referimos a “valor” también hacemos referencia al grado de luminosidad que posee una determinada superficie; pudiendo ser una superficie tanto acromática (blanca, negra o gris) como cromática (de color).
Escala de valores
Cuando hacemos mención al término acromático estamos hablando de los niveles de grises que existen entre el blanco y el negro. Convencionalmente solemos limitar la escala a 9 niveles que comenzarán con el el negro (valor1) al blanco (valor 9)
Ahora construiremos una herramienta que nos servirá de mucha ayuda para poder dibujar los tonos del sombreado. Esta herramienta se llama "Escala de Valores." Necesitaremos lo siguiente:
Cartulina (recomendado) o papel grueso blanco
Impresora
Tijeras
Perforador
1. Imprime la Escala en cartulina o, si tu impresora no lo permite, entonces en papel, el más grueso que puedas conseguir.
2. Recorta la Escala.
3. Usando el perforador, haz huecos dentro de cada cuadrado de la Escala, para que quede como la foto mostrada abajo.
¿Y para qué sirve la Escala de Valores?
Cuando esté dibujando, por ejemplo, una fotografía con todas sus sombras, la Escala de Valores me sirve para comparar si los tonos (valores) que he dibujado coinciden (o se acercan lo suficiente) a la foto. A ver, veamos... parece que tengo que hacer esto más oscuro.
Habrán ocasiones donde requieres dibujar un valor negro y tu lápiz sólo puede producir un gris que no se acerca nada al negro de la foto original. Una solución es conseguir un lápiz más suave (como el 8B).
En caso contrario, sigue los siguientes pasos:
Pinta el "negro" más negro que puedas obtener con tu lápiz.
Consulta con tu Escala a qué valor corresponde tu "negro."
Cuenta cuántos recuadros está alejado del negro real. Digamos que sean 3 recuadros más alto. Recuerda ese número.
Entonces, para cada valor que encuentres en la fotografía original, tienes que usar un valor +3 recuadros más alto. Si, por ejemplo, es el recuadro 4 (donde 1 es el recuadro más negro), entonces tienes que usar el recuadro 7 (4+3).
Recuerda: La Escala de Valores es sólo una ayuda
La verdadera utilidad de la Escala de Valores es enseñarnos a nosotros mismos a estimar mejorlos valores que vemos. Es una ayuda, no una muleta para depender de ella. No quiero que luego te sea imposible hacer un dibujo sin tener tu Escala de Valores al lado. Mas bien, con la práctica irás aprendiendo mejor a estimar los tonos (valores) y usar la Escala en pocas ocasiones.
Esto quizás suene contradictorio, pero la idea de un dibujo no siempre es reproducir perfectamente todos los tonos (valores) de la fotografía original. Hay mucho de creatividad y sensibilidad cuando acentúas o dejas de lado partes del dibujo para que el ojo sea atraído a aquellas partes que son interesantes o que tú quieres resaltar. Es un tema que veremos más adelante a profundidad, así que brevemente lo diré así: no trates de copiarlo todo como si fueses una máquina fotográfica humana.
La producción artística de la Argentina se encuentra entre las más importantes de Sudamérica, junto a la de México y Brasil.
Si bien existen museos y centros culturales diseminados en todo el país, la mayor parte de la actividad se concentra en la ciudad de Buenos Aires.
El Museo Nacional de Bellas Artes abrió sus puertas en 1896 y posee una importante colección que abarca, entre otras cosas, una pinacoteca europea con la presencia de importantes personalidades como Rembrandt o Van Gogh.
El MNBA también es el mejor lugar para hacer un recorrido por la historia del arte argentino, comenzando por primeros artistas viajeros que vinieron a explorar estas tierras, el academicismo europeo, las estribaciones del impresionismo en la figura de Fernando Fader, hasta llegar a los agitados movimientos de las vanguardias del siglo XX.
Muy cerca de este museo, en el Centro Cultural Recoleta se puede verificar el estado actual de las artes plásticas locales, especialmente en sus formas más contemporáneas, como el objeto, la instalación y las artes performáticas.
En las salas de lo que antes fue un asilo de ancianos, se conjugan hoy las últimas tendencias de la fotografía, la historieta, el teatro visual y todas las expresiones que constituyen el hoy del arte.
Casi todos los edificios que funcionan hoy como museos o centros culturales están reciclados, como elPalais de Glace, una exquisita arquitectura de planta circular que fue pista de patinaje sobre hielo y sala para bailar tangos.
ArteBA, la Feria de Arte de Buenos Aires, convoca año a año más y más público. Es un importante termómetro de ventas, y a la vez se ha convertido, junto con la Feria del Libro, en el evento anual más importante del espectáculo cultural.
Feria ArteBa
En los barrios de La Boca, San Telmo y Palermo Viejo se concentra la mayor cantidad de talleres de artistas. Hay una atmósfera bohemia en todo sus bares.
En las calles adoquinas de San Telmo, se pueden visitar sorprendentes negocios de anticuarios, Palermo se ha convertido en un centro de atracción para los jóvenes diseñadores de ropa y objetos y la Boca se está transformando lentamente a partir de la presencia de Proa, una fundación que apoya las artes plásticas con la importación de exhibiciones internacionales y la producción local de muestras de primer nivel.
Los artistas argentinos se apoyan en una larga y sólida tradición cultural. Fue el siglo XX el más próspero en propuestas variadas y atractivas.
En la década del 20 Xul Solar y Emilio Pettoruti volvieron de Europa trayendo la poética del surrealismo y del cubismo. La obra del primero es una síntesis donde el tarot, la astrología, la cábala judía y la mística, se conjugan en un mundo de utopías y sueños.
Antonio Berni es el más popular de los artistas argentinos. Es, en la plástica, el equivalente de Jorge Luis Borges en la literatura. Y la comparación no es errónea si consideramos que fue el creador de la saga de Ramona Montiel y Juanito Laguna, dos personajes marginados por la sociedad de consumo, que tratan de sobrevivir en un mundo que los ignora.
En la década del sesenta, el Grupo de la Neofiguración, integrado por Ernesto Deira, Luis F. Noé, Jorge de la Vega y Rómulo Macció inició una época fecunda que alcanzaría su punto más alto con la creación del Instituto Di Tella, un lugar mítico en la memoria de los artistas argentinos, especialmente por la riqueza de las experimentaciones allí realizadas.
sur energético- Nicolás García Uriburu-1990
Hoy son muchos los artistas de hoy que se destacan por su trabajo, entre ellos, Nicolás García Uriburu cuya obra va de la mano con la militancia ecologista; Víctor Grippo, reconocido internacionalmente por sus aportes al arte conceptual a partir de un elemento comestible oriundo de estas tierras, la papa; y Alfredo Portillos que, con una obra enraizada en los mitos populares religiosos de Latinoamérica, habla del despertar de la conciencia del hombre.
Víctor Grippo- 1971
Una mirada al arte argentino desde el 45 hasta hoy
A mediados de la década del cuarenta un grupo de artistas jóvenes, pintores y escultores, se orientaron hacia un arte de tipo no-figurativo, abstracto, despojando a la obra del carácter subjetivo y privilegiando el carácter racional, concreto, de la misma y su exactitud.
Realizaron su obra como proyecto o como invento, a través de una técnica que favorece lo geométrico, lo mensurable y lo preciso.
Estos artistas llamados genéricamente constructivistas se dividieron a su vez en:
·El Movimiento Madí, donde se destaca la figura de GYULA KÓSICE.
A fines de los años 50 hace su aparición el Grupo Espartaco, que abordó obras que propugnaban un arte revolucionario latinoamericano, creando imágenes monumentales, de características escultóricas, con temáticas que hacían referencia a los campesinos y trabajadores.
También sobre el final de los años 50 aparece en el panorama plástico nacional un grupo de artistas de orientacióninjormalista, que en sus obras se oponían tanto a la abstracción geométrica como a toda referencia representativa, ellos son
ALBERTO GRECO,
KENNETH KEMBLE
Y LUIS ALBERTO WELLS.
A principio de los años 60, se realiza una exposición que con el nombre de "Otra figuración", en ella presentan el grupo de los denominados pintores neo figurativos, integrados por
Sus obras son de una extrema libertad y recupera la figura humana, realizando una pintura que refleja en clave crítica la deshumanización del hombre en el mundo contemporáneo.
Durante esta misma década, algunos pintores se volcaron hacia un género de pintura, que teniendo en cuenta las búsquedas del arte concreto, continuaron sus investigaciones en lo que la crítica llamaría Neoabstracción. Trabajaron conceptos que tenían estrecha relación con los principios de la percepción visual; estos pintores con las diferencias propias de cada uno crearon obras de características geométricas. Dentro de esta categoría podemos ubicar a los denominados artistas generativos que utilizan a los elementos geométricos como generadores de ritmos. En este grupo de pintores podemos nombrar a:
MIGUEL ÁNGEL VIDAL,
EDUARDO McENTYRE,
ARY BRIZZI,
ROGELIO POLESELLO,
CARLOS SILVA Y MARÍA MARTORELL.
En 1966 y con la obtención del primer premio en la Bienal de Venecia, por parte del artista argentino JULIO LE PARC, se difundió a nivel masivo, el denominado arte cinético.
Estas obras tienen como núcleo las investigaciones visuales sobre el movimiento y la luz, tanto en su carácter real como virtual. Otros cinéticos son
Esta etapa concluyó en el año 1970 con el cierre de la sede del Centro de Artes Visuales en la calle Florida. Durante este tiempo el público de Buenos Aires pudo ver y participar en experiencias artísticas de diverso tipo, que fluctuaban desde la participación lúdica hasta las obras de fuerte contenido político. Numerosos artistas participaron de sus premios y exposiciones, entre los que podemos nombrar a
En los años 70 parte de los artistas argentinos advierten la importancia del proceso creador, más que el objeto creado; en este período es de destacar la labor de creación e investigación llevada"a cabo por el Centro de Arte y Comunicación (CAYC) y el grupo de artistas conceptuales, por él patrocinado, llamado el Grupo de los trece, quienes en el año 1977, obtienen el máximo galardón en la Bienal de San Pablo (Brasil).
Al mismo tiempo, un nutrido y variado número de artistas realizan obras donde se unen la figuración y la crítica social, utilizando para ello una estética que responde a una visión original y personal. Entre ellos podemos nombrar a
Un grupo aparte está constituido por algunos artistas que consideran el rescate de la propia identidad latinoamericana como la tarea que debe ser asumida por el arte. Esta corriente es denominada Constructivismo rioplatense y entre sus cultores podemos nombrar a
CÉSAR PATERNOSTO,
ALEJANDRO PUENTE. Estos dos artistas trabajan en sus obras con motivos de la América precolombina y sus relaciones con el arte abstracto geométrico de este siglo
MARCELO BONEVARDI
que presenta sus misteriosas pinturas-construcciones,
De una manera similar a lo realizado por la transvanguardia italiana, en los años 80 y 90 hay una recuperación de la imagen y de las de técnicas tradicionales de la pintura sobre el modo conceptual dominante en los años 70. En estas obras se cuestiona el proyecto de la modernidad y de las vanguardias históricas. Muchos de los artistas presentan modelos fragmentarios, discontinuos, con una mirada irónica sobre los temas que abordan y con constantes citas al mundo del arte. Algunos de los pintores que se inscriben en esta tendencia son
ÁLFREDO HLITO, 
